Da un lato, l’attività artistica e performativa ha consentito a studenti e docenti dei Conservatori partner di rappresentare l’eccellenza dell’Alta Formazione Musicale italiana in prestigiosi contesti internazionali. Il progetto ha infatti toccato alcune delle più importanti realtà culturali e musicali del mondo, tra cui New York, Philadelphia, Montréal, Napoli, Lisbona e Siviglia, contribuendo alla diffusione del patrimonio culturale italiano e alla costruzione di nuove relazioni accademiche e artistiche.
Dall’altro lato, Voices of Heritage ha sviluppato un importante percorso di studio, catalogazione, valorizzazione digitale e divulgazione del patrimonio documentario e musicale beneventano, rendendo accessibili online contenuti scientifici e materiali destinati non soltanto agli studiosi ma anche a studenti, appassionati e cittadini interessati alla conoscenza della storia musicale europea.

Particolare rilievo assume il lavoro svolto sul Canto Beneventano, una delle più significative espressioni musicali dell’Europa medievale e autentico patrimonio identitario del territorio, che grazie al progetto è stato oggetto di nuove attività di studio, promozione e diffusione in ambito nazionale e internazionale.
Il convegno del 18 giugno, con inizio alle ore 11.00, sarà coordinato da Nunzia De Girolamo e si aprirà con la proiezione di un docu-video che ripercorre le tappe salienti del progetto e con la prolusione di Giuseppe Ilario, Direttore del Conservatorio Statale di Musica “Nicola Sala” di Benevento e Responsabile scientifico del progetto.
 
A seguire è previsto un confronto a più voci, sempre moderato da Nunzia De Girolamo, sul tema del “Patrimonio musicale italiano oltre i confini: un progetto PNRR tra ricerca, formazione e cooperazione internazionale” con gli interventi di Nazzareno Orlando, Presidente del Conservatorio “Nicola Sala” di Benevento, Rita D’Addona, Presidente del Conservatorio “Lorenzo Perosi” di Campobasso e di Angelo Rega, delegato del Rettore alla comunicazione istituzionale dell’Università Telematica Pegaso. Infine, nella seconda parte del convegno sono previste altre tre relazioni tematiche: L’arte: la musica come strumento di valorizzazione, restituzione artistica e cooperazione internazionale, a cura di Giuseppe Ilario; L’innovazione: dallo studio delle fonti alle tecnologie per la conservazione e fruizione, affidata a Gianluca Bocchino, docente di Storia della musica al “Nicola Sala” di Benevento; infine, La divulgazione: la Piattaforma Web VoH, con Angelo Rega, docente di Psicologia dello sviluppo e dell’educazione presso l’Università Pegaso.
A chiudere i lavori sarà Gianluigi Consoli, Direttore Generale dell’internazionalizzazione del Ministero dell’Università e della Ricerca.
In seguito, i partecipanti potranno visitare l’exhibit multimediale “Dal manoscritto al suono immersivo”, realizzato per illustrare il percorso di trasformazione delle fonti storiche in nuove forme di fruizione artistica e tecnologica.

Così Giuseppe Ilario, Direttore del Conservatorio Statale di Musica “Nicola Sala” di Benevento: «Voices of Heritage rappresenta uno dei più significativi progetti di internazionalizzazione realizzati dal Conservatorio “Nicola Sala” di Benevento. Grazie al sostegno del Ministero dell’Università e della Ricerca e alle opportunità offerte dal PNRR, siamo riusciti a costruire un percorso che ha unito ricerca, innovazione, produzione artistica e cooperazione internazionale, portando il patrimonio musicale del nostro territorio nei principali contesti culturali e accademici internazionali».

Ilario ha concluso «Questo progetto ha consentito di riportare all’attenzione della comunità scientifica e artistica uno straordinario patrimonio storico quale il Canto Beneventano, valorizzandolo attraverso nuovi strumenti di studio, divulgazione e fruizione digitale. I risultati che presenteremo il 18 giugno costituiscono un importante traguardo, ma rappresentano soprattutto il punto di partenza per nuove attività di ricerca, formazione e collaborazione internazionale. Desidero ringraziare il Ministro dell’Università e della Ricerca, Senatrice Anna Maria Bernini, i dirigenti del Ministero, il Conservatorio “Lorenzo Perosi” di Campobasso, l’Università Pegaso, il Presidente Nazzareno Orlando, la già Presidente Caterina Meglio che ha accompagnato l’avvio del progetto, il personale docente e amministrativo coinvolto nelle attività e, soprattutto, i nostri studenti. Sono stati loro i veri protagonisti di questa esperienza, dimostrando come il patrimonio culturale possa trasformarsi in una straordinaria occasione di crescita, innovazione e dialogo tra i popoli».

L'articolo “Voices of Heritage, from beneventan manuscripts to modern music”, domani presentazione dei risultati proviene da The Watcher Post.

Nel corso della presentazione, il vicepresidente della Camera Giorgio Mulè ha ricordato come la figura di Sinopoli rappresenti ancora oggi un esempio di autentico europeismo culturale, capace di unire tradizioni musicali diverse e di costruire ponti tra Paesi e sensibilità artistiche differenti. Un tratto che emerge anche dalla struttura stessa del progetto, promosso dal Ministero per lo Sport e i Giovani e dal Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale attraverso l’Istituto Italiano di Cultura di Berlino, con il coinvolgimento di alcune tra le più prestigiose istituzioni musicali del continente.

Ideatore dell’iniziativa è Alessandro Turci, direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di Berlino, che durante il collegamento dalla capitale tedesca ha sottolineato l’attualità del pensiero di Sinopoli e la sua capacità di ispirare ancora oggi un approccio alla cultura libero, curioso e profondamente indipendente. Un’eredità che il progetto intende rilanciare non soltanto sul piano commemorativo, ma come patrimonio vivo da riportare al centro del dibattito culturale europeo.

Il legame tra Sinopoli e il mondo germanico costituisce uno dei fili conduttori dell’intera iniziativa. Dopo la caduta del Muro di Berlino, il maestro assunse la guida della Sächsische Staatskapelle Dresden, dirigendola dal 1992 fino alla sua scomparsa, mentre dal 1990 era direttore musicale della Deutsche Oper Berlin, teatro che divenne uno dei luoghi simbolo della sua maturazione artistica. Fu proprio a Berlino che il suo percorso si interruppe improvvisamente il 20 aprile 2001, durante una rappresentazione dell’Aida.

Il programma prenderà avvio il 20 aprile con il concerto inaugurale “Foglie che il vento non tocca” al Meistersaal di Berlino, luogo iconico della storia culturale tedesca, e proseguirà il 29 giugno alla Deutsche Oper Berlin con “Il luogo del destino”, appuntamento dedicato alle composizioni del maestro accostate a pagine di Schönberg e Richard Strauss. In autunno sarà poi la volta della Philharmonia Orchestra di Londra, diretta da Robin Ticciati alla Philharmonie di Berlino, mentre ulteriori eventi coinvolgeranno Dresda e altre città europee. Il calendario prevede inoltre un concerto jazz guidato da Marco Sinopoli, segno della volontà di raccontare la ricchezza e la pluralità dei linguaggi che hanno caratterizzato l’universo artistico del compositore.

A illustrare il programma musicale è stata Francesca Moschitta del Ministero degli Affari Esteri, che ha evidenziato come tutti gli appuntamenti siano accomunati dall’attenzione alla qualità artistica, alla valorizzazione delle nuove generazioni e al dialogo tra interpreti di età ed esperienze diverse. Accanto alla riproposizione delle opere di Sinopoli troveranno spazio anche i compositori che ne hanno influenzato il percorso creativo e intellettuale, offrendo così una lettura più ampia del suo contributo alla cultura europea.

Sinopoliana si presenta dunque non come una semplice celebrazione anniversaria, ma come un grande progetto culturale internazionale che punta a riportare al centro una figura capace di attraversare musica, filosofia, archeologia e letteratura. Un omaggio che, a venticinque anni dalla scomparsa, restituisce a Giuseppe Sinopoli il ruolo di protagonista di una visione europea della cultura fondata sul dialogo tra tradizioni, discipline e generazioni

L'articolo Sinopoliana, l’Europa rende omaggio a Giuseppe Sinopoli a 25 anni dalla scomparsa proviene da The Watcher Post.

«Sa cosa non vi dicono mai delle leggende? Che sopravvivono alla pagina», ha detto una versione artificiale di Lee in un video diffuso da ElevenLabs. In un altro filmato, l’AI ha mimato la sua celebre frase: «Da un grande potere derivano grandi responsabilità. Excelsior!»

Secondo i termini dell’accordo, gli utenti potranno scegliere il clone di Lee sulla piattaforma «Iconic Marketplace» di ElevenLabs per far narrare audiolibri alla sua voce e, in un ulteriore strappo alla sua eredità, creare tavole di fumetti generate dall’AI con lui come protagonista. Verrà lanciato anche un «Stan Lee Book Club of the Month», in cui la versione artificiale dello scrittore leggerà un libro diverso ogni mese.

Una questione etica aperta

Le resurrezioni digitali di personaggi pubblici scomparsi sono sempre controverse e cariche di implicazioni etiche. Il caso di Lee appare però particolarmente problematico, alla luce di quanto accaduto negli ultimi anni della sua vita: una causa legale aveva accusato chi lo gestiva di averlo trascinato in continui eventi pubblici per fare cassa, costringendolo a firmare autografi anche quando sembrava non ricordare dove si trovasse né come si scrivesse il suo nome. L’AI, si potrebbe sostenere, non fa che prolungare questa sottrazione di autonomia e dignità.

Stan Lee Universe non la vede così. Il membro del consiglio e avvocato Chaz Rainey ha inquadrato l’iniziativa come fedele allo spirito del creatore: «Stan ha sempre creduto nell’incontrare i suoi fan dove si trovavano: nelle pagine di un fumetto, a una convention, in un breve cameo sullo schermo. Questa partnership è un modo per continuare a farlo. I fan ci hanno sempre detto che quando leggono i suoi fumetti sentono le parole con la sua voce, e ora, grazie a ElevenLabs, possiamo renderlo realtà.»

Un fenomeno in espansione

La necromanza digitale si è ormai affermata, nonostante le critiche. Nel 2024 il blockbuster «Alien: Romulus» ha riportato in vita l’attore britannico Ian Holm, che nel film originale interpretava l’androide Ash. Il doppiatore di Darth Vader James Earl Jones aveva firmato prima della morte un accordo per clonare la sua voce, poi usata nel videogioco Fortnite. E una resurrezione digitale dell’attore Val Kilmer, stroncato dal cancro alla gola, è in uso nel film «As Deep as the Grave», che Kilmer aveva accettato di girare prima di ammalarsi.

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Nelle fotografie degli anni Ottanta era irriconoscibile: un ragazzone con la camicia scozzese, l’aria da festa perpetua, sempre con l’amico Azio Citi a portata di voce. Slow Food non si chiamava ancora così – era Arcigola – e la sinistra italiana stava scoprendo che si poteva anche godere la vita senza per questo tradire la causa. Petrini incarnava quella stagione con una naturalezza disarmante: amava le osterie, il vino rosso, i tajarin, le persone. Qualcosa a metà tra Guccini e un sindaco di campagna, con Bra al posto di Pavana.

La metamorfosi

Poi arrivò la malattia, e tutto cambiò. Ne uscì con un corpo diverso e uno sguardo più lungo: meno compagnone, più visionario. L’associazione lo seguì in questa trasformazione, abbandonando progressivamente l’edonismo delle origini per abbracciare qualcosa di più ambizioso – una rete mondiale di comunità contadine, artigiani del cibo, custodi di saperi locali. Nacque Terra Madre, e con essa un movimento che non aveva precedenti: un’internazionale dei piccoli contro i grandi, delle radici contro l’omologazione, del territorio contro la globalizzazione senza memoria.

Chi ha assistito ai suoi discorsi di apertura al Lingotto, davanti a migliaia di allevatori e agricoltori in abiti tradizionali arrivati da ogni continente, conserva un ricordo fisico di quei momenti. Cominciava sottovoce, quasi esitando, poi qualcosa si accendeva: la voce saliva, l’italiano lasciava spazio al piemontese, e alla fine quella platea variegata e improbabile era in piedi. Aveva il dono raro di far sentire le persone parte di qualcosa più grande di loro.

Un pensiero inclassificabile

Progressista o reazionario? La domanda lo accompagnò per tutta la vita, senza trovare risposta soddisfacente. Amava Latouche e la decrescita, portava Vandana Shiva ai suoi congressi, combatteva gli Ogm con la stessa energia con cui difendeva le sementi antiche. Eppure piantava alberi con il re d’Inghilterra, frequentava Papa Francesco con l’affetto riservato a un fratello, e con la realpolitik tipica del Piemonte profondo sapeva stringere alleanze ovunque servissero alla causa: con Ghigo per il Salone del Gusto, con Alemanno quando era ministro dell’Agricoltura, persino con Farinetti per costruire l’Università di Scienze Gastronomiche di Pollenzo – e chi storce il naso su quell’ultima collaborazione dimentica che senza di essa quell’università probabilmente non esisterebbe.

La stanchezza e il vuoto

Gli ultimi anni erano stati pesanti. Lo si vedeva nei convegni: arrivava esausto, sedeva con il gomito sul tavolo e la testa tra le mani, poi saliva sul palco e trovava ancora una volta la forza di accendere la sala. Ma la presenza sempre più intermittente aveva già lasciato il segno su Slow Food: un’associazione costruita attorno a una figura carismatica fatica a proiettarsi oltre quella figura, e Petrini non aveva indicato un erede. È il limite che accomuna certi grandi leader: costruiscono tutto, e non insegnano a nessuno come andare avanti senza di loro.

Della sua vita privata non si sapeva quasi nulla, e lui ci teneva così. Circolavano voci su un rifugio in America Latina, e chi lo amava lo immaginava in qualche serata alla Paolo Conte, panama in testa, bicchiere in mano. È un’immagine più giusta di molte biografie ufficiali: Carlin Petrini, in fondo, era uno che sapeva stare bene nel mondo. E che aveva cercato, con ostinazione e talento, di renderlo un posto migliore.

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Il riconoscimento, istituito in collaborazione con la Camera di Commercio di Ferrara e Ravenna, Osservatorio Nazionale Tutela del Mare e Comitato Imprenditoria Femminile, prevede il riconoscimento di un premio di 2.000,00 euro per ognuna di tre categorie: imprenditoria e innovazione tecnologica, ambiente e ricerca, sociale e sport. La professionista dovrà segnalare in fase di candidatura la progettualità propria o di terzi, sempre inerente al mondo marittimo e costiero e della blue economy, a cui devolvere il premio economico in caso di vincita.

Le candidature raccolte saranno valutate da una Giuria di esperti, nominata dall’Amministrazione Comunale, che ne selezionerà una per ogni categoria, richiamante i filoni principali di un programma unitario e multidisciplinare articolato nelle macro aree “Ravenna 2026 cittadinanza blu e civiltà del Mare”; “A Ravenna 2026 per vivere e far vivere il mare”; “Da Ravenna 2026 un impulso alla crescita blu e dell’Italia”. Il bando è disponibile da oggi e fino al 30 settembre sul sito del Comune di Ravenna.

«Questo premio – osserva il sindaco di Ravenna, Alessandro Barattoni – esprime la volontà, inserita nel dossier di candidatura, di valorizzare il ruolo delle donne nei percorsi professionali legati al mare e alla blue economy, un settore strategico per lo sviluppo sostenibile dei territori costieri che, a livello europeo, registra ancora una presenza femminile ridotta e particolarmente sottorappresentata. Auspichiamo che questa diventi la prima di una lunga serie di edizioni che verranno portate avanti da chi verrà insignito del titolo dopo di noi».

«Siamo davvero felici – precisa Aida Morelli, del Comitato imprenditoria femminile Ferrara Ravenna – di aver collaborato alla prima edizione di un premio che valorizza i percorsi professionali delle donne in ambito marittimo e che mette in rilievo l’importanza di un lavoro che non sempre viene riconosciuto nel giusto modo. Si tratta di un’opportunità per diffondere la cultura della parità di genere valorizzando le competenze e dare visibilità a tutte le donne che, con il loro impegno quotidiano, contribuiscono allo sviluppo del settore marittimo e alla crescita del Paese».

«Il Premio DonneMare – spiega Roberto Minerdo, presidente ONTM – rappresenta un’iniziativa di grande valore culturale, sociale ed economico, perché accende i riflettori sul contributo fondamentale delle donne nello sviluppo della blue economy italiana. In un momento storico in cui il mare è sempre più centrale nelle strategie di sostenibilità, innovazione e crescita del Paese, valorizzare competenze, professionalità e percorsi significa investire concretamente nel futuro delle nostre comunità costiere e del sistema mare nazionale. Come Osservatorio Nazionale Tutela del Mare siamo orgogliosi di collaborare con il Comune di Ravenna a un progetto che unisce riconoscimento del merito, promozione delle buone pratiche e sensibilizzazione culturale. Ravenna, Capitale italiana del Mare 2026, dimostra una visione moderna e inclusiva del rapporto tra mare, economia, ambiente e società. DonneMare non è soltanto un premio: è un messaggio forte rivolto alle nuove generazioni e a tutto il comparto marittimo italiano».

«Il mare, da sempre – ha sottolineato Mauro Giannattasio, segretario generale della Camera di commercio di Ferrara Ravenna – è per Ravenna non solo un confine naturale, ma una risorsa inesauribile di opportunità, una via per il commercio, una fonte di sostentamento e un palcoscenico per la cultura. Non si tratta solo di settori tradizionali come la cantieristica, la pesca o il turismo costiero, pur fondamentali per la nostra economia, ma sempre più spazio assumono le energie rinnovabili marine, la biotecnologia, la logistica portuale avanzata, la ricerca scientifica per la salvaguardia degli ecosistemi marini fino alle applicazioni dell’Intelligenza Artificiale. Una voglia di impresa che coinvolge anche il genere femminile, perché di queste imprese ben 21 ogni 100 sono guidate da donne. Anche per questo, rivolgo un ringraziamento particolare al Comune di Ravenna per aver voluto coinvolgere la Camera di commercio in un progetto così importante e di visione, che intende valorizzare i tanti percorsi professionali di successo delle donne nell’ambito della blue economy».

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Promosso da FIAF ETS – Federazione Italiana Associazioni Fotografiche e realizzato con il contributo di Fondazione CR Firenze, il Festival conferma la propria vocazione: valorizzare il patrimonio fotografico italiano, mettere in relazione autori affermati e nuove generazioni, e costruire un programma capace di unire mostre, ricerca, formazione, produzione e divulgazione.

L’edizione 2026, dedicata al tema “Riti e Visioni. Tra spirituale e materiale”, pone al centro una riflessione ampia sulla spiritualità contemporanea e sulle forme attraverso cui il sacro continua ad attraversare il presente: nei riti collettivi e nei gesti individuali, nelle pratiche religiose e nelle sopravvivenze pagane, nella memoria, nel corpo, nella superstizione, nella ricerca di senso e nelle molte tensioni tra materia e trascendenza.

La scelta del tema si inserisce nell’anno dell’ottavo centenario della morte di San Francesco d’Assisi, una ricorrenza di rilievo nazionale che riporta al centro una delle figure più potenti dell’immaginario spirituale, culturale e civile italiano.

Il cuore espositivo dell’edizione sarà la grande mostra centrale “Corpo a Corpo. Visioni a confronto sul sacro”, curata da Denis Curti al CIFA – Centro Italiano della Fotografia d’Autore di Bibbiena. Attorno a questo nucleo curatoriale si svilupperà un programma diffuso tra Bibbiena, Poppi e Pratovecchio Stia, con esposizioni, talk, letture portfolio, progetti dedicati ai giovani autori, percorsi di produzione fotografica, masterclass e iniziative nate dal dialogo con il territorio.

La Direzione Artistica del Festival della Fotografia Italiana è confermata anche per il 2026 a Denis Curti e Roberto Rossi, che proseguono il lavoro di definizione e sviluppo della visione culturale della manifestazione.

Il Festival si conferma oggi una piattaforma completa dedicata alla fotografia italiana, grazie a un modello che integra ricerca, produzione, formazione, editoria e valorizzazione del territorio, sostenuto da una rete permanente di luoghi e competenze che dal CIFA alla Galleria a Cielo Aperto rende il Casentino un laboratorio vivo di cultura fotografica.

LA MOSTRA CENTRALE: “CORPO A CORPO. VISIONI A CONFRONTO SUL SACRO”

Ogni anno, la mostra centrale del Festival rappresenta il nucleo più ambizioso e identitario della manifestazione: un progetto di grande respiro, costruito attraverso un impianto curatoriale forte, capace di trasformare il tema dell’edizione in un percorso critico e visivo complesso. È una mostra corale e profondamente progettata, in cui opere, linguaggi e generazioni diverse vengono messi in relazione per produrre nuove letture sulla fotografia italiana e sul suo ruolo nel presente.

Per l’edizione 2026, “Corpo a Corpo. Visioni a confronto sul sacro”, ospitata al CIFA – Centro Italiano della Fotografia d’Autore di Bibbiena, traduce questa vocazione in un percorso espositivo intenso e stratificato, nel quale la fotografia italiana si confronta con una delle domande più radicali della rappresentazione: come dare immagine a ciò che, per sua natura, sfugge allo sguardo?

La mostra riunisce 21 autori e si articola in 10 confronti tematici, costruiti come campi di tensione tra visioni, epoche, linguaggi e posture dello sguardo. Ogni confronto apre un diverso accesso al tema del sacro contemporaneo: l’aspirazione al divino, il confine mobile tra sacro e profano, il corpo come luogo di rivelazione e autodeterminazione, l’ambiguità morale, l’espiazione, il paesaggio come spazio meditativo, la magia, la luce, il viaggio spirituale e la riemersione del mito.

Il percorso si apre con Ferdinando Scianna e Massimo Sestini, chiamati a misurarsi con la possibilità di avvicinarsi al divino attraverso due prospettive opposte: la ritualità terrena e teatrale delle feste religiose siciliane da un lato, lo sguardo dall’alto, quasi onnisciente, sulla contemporaneità dall’altro. Prosegue poi con il confronto a tre voci tra Bruno Cattani, Massimo Siragusa e Fabrizio Spucches, che attraversano il territorio fragile in cui devozione, voodoo, apparizioni, superstizione e messa in scena rivelano il bisogno umano di credere, interpretare e dare forma all’inspiegabile.

Il corpo diventa protagonista nei lavori di Valentino Giannini e Tarin, tra il silenzio dei confessionali e la rivendicazione del corpo femminile come spazio di consapevolezza, desiderio e libertà. Con Fabiana Zanola e Attilio Solzi, invece, la mostra entra nelle zone più ambigue dell’esperienza morale: le sagrestie, gli spazi sottratti allo sguardo comune, l’assenza, le tracce e i margini sociali. Kicca Tommasi e Vito Sforza portano il tema dell’espiazione verso una dimensione più interiore, dove il corpo, la vulnerabilità e il confronto con la morte diventano strumenti di attraversamento spirituale.

La dimensione meditativa del paesaggio emerge nel confronto tra Pepi Merisio e Silvia Camporesi, tra vita popolare, valori contadini, luoghi sospesi e geografie mentali. Antonio Biasiucci e Teresa Bucca conducono invece lo spettatore nel territorio dei tributi votivi e della magia, dove oggetti, gesti e pratiche arcaiche diventano forme di relazione con l’ignoto. Con Giovanni Chiaramonte e Alessia Rollo, la luce assume il valore di apparizione, memoria e processo mentale, capace di spostare il confine del visibile verso una dimensione emotiva e quasi sensoriale.

Il viaggio spirituale prende forma nelle opere di Tiziano Terzani e Amalia Violi, tra pellegrinaggio fisico, ricerca interiore, memoria familiare e immaginario affettivo. A chiudere il percorso, Daniele Bondì ed Eleonora Paciullo riportano lo sguardo sulle orme del mito, rintracciando iconografie cristiane, presenze arcaiche, radici greche e ritualità sommerse che continuano a riaffiorare nel presente.

Attraverso questa struttura per confronti, “Corpo a Corpo. Visioni a confronto sul sacro” costruisce una mappa complessa del sacro contemporaneo: un mosaico di immagini in cui la fotografia diventa soglia tra documento e visione, materia e simbolo, esperienza individuale e memoria collettiva.

LE PROPOSTE DEL FESTIVAL: AUTORI ITALIANI IN DIALOGO CON IL TEMA 2026

Accanto alla mostra centrale, il Festival presenta la sezione “Proposte”, un percorso di mostre dedicate ad autori italiani chiamati ad ampliare e articolare il tema dell’edizione 2026 attraverso ricerche autonome, ma profondamente legate alla riflessione sulla spiritualità contemporanea.

Tra i protagonisti di questa sezione figurano Michele Borzoni, con un’indagine sulle comunità cristiane in Medio Oriente; Giulio Di Sturco, che attraverso il suo lavoro sul Gange intreccia trasformazione ambientale, memoria culturale e dimensione sacrale del paesaggio; Ivo Saglietti, con un racconto dedicato a Deir Mar Musa, antico monastero siro-antiocheno e luogo di dialogo interreligioso tra cristianesimo e islam; Fausto Podavini, che esplora il cristianesimo ortodosso etiope come architettura spirituale, sociale e comunitaria; e Nausicaa Giulia Bianchi, che porta al Festival una ricerca sulle donne prete cattoliche e sul rapporto tra vocazione, corpo, istituzione e disobbedienza.

A questi sguardi si affiancano percorsi che spostano il tema verso territori simbolici e antropologici differenti: Carlo Bevilacqua, con un reportage dedicato ai moderni eremiti e alla loro scelta radicale di silenzio, isolamento e ricerca spirituale; Valeria Gradizzi, che in racconta un universo femminile attraversato da pratiche neo-sciamaniche, sacralizzazione della natura, centralità del corpo e trasformazione personale; Paola Fiorini, con un lavoro che intreccia natura, mito e archetipo femminile; e Francesco Comello, che documenta una comunità spirituale in cui vita quotidiana, preghiera, educazione e isolamento costruiscono una forma radicale di appartenenza.

Nel loro insieme, le Proposte del Festival compongono una geografia del sacro contemporaneo che attraversa comunità, riti, credenze, paesaggi interiori e forme di resistenza spirituale. La sezione amplia il percorso della mostra centrale e conferma una delle vocazioni più riconoscibili del Festival: costruire un dialogo vivo tra ricerca autoriale, temi culturali urgenti e luoghi.

L’ABITO FA IL MONACO: AL CASTELLO CONTI GUIDI LA MOSTRA SUL RELIGIOSO NEL CINEMA ITALIANO

Tra gli appuntamenti più attesi del Festival si conferma la mostra ospitata al Castello Conti Guidi di Poppi, sede che nelle ultime edizioni ha saputo esprimere in modo particolarmente efficace una delle vocazioni più riconoscibili della manifestazione: mettere in dialogo la cultura fotografica con il territorio, trasformando luoghi storici e identitari del Casentino in spazi vivi di racconto, visione e approfondimento.

Per l’edizione 2026, il Castello accoglie “L’abito fa il monaco. Porporati e preti, suore e frati nel cinema e nella fiction italiani degli ultimi decenni”, mostra a cura di Antonio Maraldi dedicata alla rappresentazione di figure religiose nel cinema e nella serialità televisiva italiana. Un percorso che attraversa immagini di scena, ritratti e set, restituendo la forza visiva di un immaginario che ha accompagnato generazioni di spettatori e che continua a interrogare il rapporto tra abito, ruolo, fede, potere, ironia e costruzione narrativa.

In coerenza con il tema dell’edizione, la mostra guarda alla figura del religioso come presenza culturale oltre che spirituale: un corpo vestito di segni, un personaggio reale o immaginato, un archetipo capace di muoversi tra dramma e commedia, solennità e paradosso, devozione e rappresentazione popolare. Dai papi mancati alle suore, dai preti di provincia ai cardinali, dai frati ai personaggi nati per il piccolo schermo, “L’abito fa il monaco” compone una galleria che mostra come il cinema e la fiction abbiano saputo trasformare l’immaginario religioso in materia narrativa, visiva e profondamente italiana.

La mostra è resa possibile anche grazie alla collaborazione di AFS – Autori della Fotografia di Scena, della Biblioteca Malatestiana e del Centro Cinema Città di Cesena, attraverso il fondo CliCiak.

GIOVANI AUTORI ED EDITORIA FOTOGRAFICA: LE MOSTRE NATE DALLE CALL

Nel percorso dell’edizione 2026 confluiscono anche le mostre nate dalle due call annuali del Festival, che danno forma a due direttrici centrali della sua identità: aprire spazi reali alle nuove generazioni della fotografia italiana e riconoscere nel libro fotografico uno dei luoghi più compiuti della ricerca autoriale.

Con Nuovi Sguardi, il Festival conferma il proprio impegno verso i giovani fotografi under 35, offrendo ai progetti selezionati una vetrina autorevole all’interno del programma ufficiale e un’occasione concreta di confronto con pubblico, curatori e professionisti. Il percorso espositivo accoglierà inoltre una selezione di lavori provenienti da alcune tra le principali Accademie di Fotografia italiane, rafforzando il legame tra formazione, ricerca e nuova scena fotografica.

Con Percorsi – Dal progetto al libro fotografico, il Festival rinnova invece la propria attenzione all’editoria fotografica, accompagnando progetti già compiuti nella loro struttura autoriale verso una forma espositiva ed editoriale. Il lavoro vincitore sarà pubblicato in un volume della collana monografica FIAF ed esposto nell’ambito del Festival, insieme ad altri progetti selezionati, confermando il ruolo della manifestazione come spazio in cui la fotografia italiana trova non solo visibilità, ma anche strumenti concreti di crescita, riconoscimento e continuità.

IL WEEKEND INAUGURALE E IL PROGRAMMA DEGLI EVENTI

L’edizione 2026 prenderà avvio con il weekend inaugurale del 12, 13 e 14 giugno, che concentrerà i principali momenti di apertura del Festival: l’inaugurazione della mostra centrale al CIFA di Bibbiena, le inaugurazioni delle mostre diffuse a Poppi e Pratovecchio Stia, talk con autori e studiosi e la presentazione e premiazione delle call.

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Il Chiostro maggiore della Certosa Reale ospita un grande ritorno dopo oltre 10 anni di assenza: quello del Quartiere Giapponese, spazio tematico dedicato alla cultura nipponica. Realizzato in collaborazione con l’associazione Okugi – Original Quartiere Giapponese, il progetto si rivolge a tutti gli appassionati di manga, anime, folklore, artigianato e tradizioni giapponesi.

Nei tre giorni di festival nel Quartiere Giapponese sono in programma workshop, attività esperienziali, giochi, conferenze e incontri pensati per coinvolgere pubblici di tutte le età. Tra le attività a palinsesto: laboratori sul Giappone a uncinetto con Stefano Delli Carri; Samantha Scuri, illustratrice e docente di disegno manga, diplomata all’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino, propone workshop di pittura Sumi-e, antica arte pittorica giapponese che consiste nel dipingere soggetti naturali con inchiostro nero (sumi) su carta di riso; Francesca Godeas, artista, artigiana orafa e divulgatrice appassionata di cultura giapponese, conduce laboratori di origami. Ancora, Selena Gabriele spiega passo passo come indossare lo yukata, il tradizionale indumento giapponese, e Christian Ottone propone un workshop sulla costruzione di un accessorio cosplay.

Sono inoltre in programma tre appuntamenti nella Sala del Chiostro: sabato 30 maggio si parla di L’evoluzione dell’animazione televisiva giapponese, l’avvincente storia degli Anime, dal boom ai giorni nostri, attraverso i protagonisti, le musiche, i giocattoli. L’incontro è condotto da Enzo Tripodina, fondatore dell’associazione Okugi, storico e ricercatore dell’animazione giapponese, da anni impegnato nello studio della diffusione degli anime in Italia e nella catalogazione della programmazione televisiva dedicata alle serie animate.

Domenica 31 maggio alle 11 la parola passa al grande ospite dell’area, Kenta Suzuki, divulgatore della cultura giapponese conosciuto sui social come @kenta.giappone, seguito da una vasta community per i suoi contenuti dedicati alla società, alla lingua e alla vita quotidiana in Giappone. L’incontro La differenza nella relazione sentimentale e nella vita scolastica tra Italia e Giappone vuole essere un confronto culturale che parte dall’esperienza diretta per raccontare differenze, punti di contatto e dinamiche sociali tra i due Paesi, affrontando temi come il rapporto con il gruppo, il senso di responsabilità, la scuola e l’espressione dei sentimenti.

La giornata di domenica prosegue con la tavola rotonda Anime, tra passato e futuro, moderata da Enzo Tripodina e dedicata alla cultura pop giapponese e all’animazione. Intervengono, in presenza e in collegamento, ospiti, autori e divulgatori tra cui Guglielmo Signora, autore, illustratore e saggista specializzato in fumetto, animazione e robot-giocattolo giapponesi; Jacopo Mistè di Nippon Shock edizioni; Massimo Nicora, saggista, giornalista e tra i maggiori studiosi italiani dell’animazione giapponese, con particolare attenzione agli anime robotici e al fenomeno Goldrake; e Jacopo Nacci,  autore di Guida ai super robot (Odoya, 2016) e La forma di vita fondata sull’immaginario, in Guida all’immaginario nerd (Odoya, 2019), per parlare di aneddoti e misteri risolti, passioni passate e visioni future.

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Al centro della scena c’è un Emilio Solfrizzi in stato di grazia. Il suo Falstaff è istrionico, debordante, irresistibile nel ritmo comico e nella precisione della parola. Solfrizzi domina il palco con una naturalezza rara: seduce il pubblico come il personaggio seduce il mondo, usando il linguaggio come scudo, arma e rifugio. La sua comicità non è mai semplice macchietta, ma si nutre di tempi comici efficaci, improvvise stonature emotive e di quella leggerezza intelligente che appartiene agli attori capaci di far ridere senza inseguire la battuta. Ogni eccesso del personaggio lascia intravedere una fragilità sotterranea, e Solfrizzi è bravissimo a non renderla mai esplicita, lasciandola affiorare solo nei silenzi e negli sguardi improvvisamente vuoti. Molto bella anche la prova di Giorgio Borghetti nel ruolo del Barbone/Commendatore, figura che attraversa lo spettacolo come una presenza sospesa tra realtà e coscienza.

Borghetti lavora per sottrazione, evitando ogni enfasi e costruendo un personaggio magnetico proprio nella misura e nella quiete. La sua voce, il controllo scenico e anche la sua semplice presenza in scena mentre gli altri attori conversano sembra il modo giusto con cui entra progressivamente nelle crepe della commedia regalando alcuni dei momenti più intensi dello spettacolo. È una presenza che incombe senza mai forzare il tono, quasi un’ombra che osserva Falstaff mentre il tempo gli presenta il conto. Attorno ai protagonisti si muove una compagnia compatta e ben calibrata: Matteo Mauriello, Ivan Olivieri, Cristiano Dessì, Claudia Ferri e Marika De Chiara contribuiscono a creare quell’umanità grottesca e continuamente in bilico tra farsesco e reale che costituisce l’anima dello spettacolo. In particolare le figure femminili mantengono quella lucidità tagliente già presente nelle Allegre comari di Windsor: non moralizzano, ma smontano Falstaff con l’arma più crudele possibile: il ridicolo. Uno degli aspetti più riusciti dello spettacolo è il lavoro scenografico firmato da Fabiana Di Marco.

La pedana circolare, continuamente esposta alla luce, diventa metafora perfetta di un uomo costretto a esibirsi senza sosta, incapace di sottrarsi allo sguardo degli altri e soprattutto al proprio. Lo spazio scenico è elegante, mobile, profondamente teatrale: un backstage mentale dove camerini, ribalte, strutture metalliche e scale convivono in una dimensione sospesa tra locale decadente, arena e tribunale dell’anima. Nulla è realistico, ma tutto racconta il personaggio. Le luci di Luigi Della Monica amplificano questo senso di esposizione permanente, trasformando Falstaff in un animale da palcoscenico incapace di smettere di recitare anche davanti alla propria rovina. Con la sua ombra onnipresente ai lati del palco, quasi intimidatoria dal punto di vista intimista.

Davide Sacco costruisce così una commedia nera, feroce e poetica insieme, dove la parola è continuamente sul punto di salvare o distruggere chi la pronuncia. Falstaff – L’arte di farla franca diverte molto, ma soprattutto lascia addosso quella strana sensazione che appartiene agli spettacoli migliori: quella di aver riso di qualcuno per poi accorgersi, lentamente, che quel qualcuno parlava anche di noi.

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L’evento non è stato solo una presentazione editoriale, ma una vera e propria esperienza immersiva. Il format, consolidato negli anni, prevede l’esposizione delle opere in un dialogo costante con lo spazio circostante. A raccontare la filosofia dietro questa iniziativa è Letizia Lucarini, editrice di Casa Editrice Pagine: “La nostra Casa Editrice è specializzata nella pubblicazione di narrativa, poesia e saggistica. Organizziamo mostre d’arte, di foto e l’ultima novità è proprio questa mostra di poeti. I nostri autori espongono un forex dove viene pubblicata la loro poesia più bella.”

Questa modalità espositiva permette al visitatore di “leggere” le pareti, trasformando la lirica in un oggetto visivo, accompagnato da un catalogo che raccoglie l’intera produzione della mostra.

Il volume presentato, intitolato significativamente “Poesie in Mostra”, raccoglie tre componimenti per ciascun autore. I versi hanno toccato corde universali: se da un lato emergono i temi classici dell’amore, della famiglia e della crescita personale, dall’altro la rassegna ha assunto una forte connotazione civile. Molti poeti hanno infatti rivolto lo sguardo alle ferite dei conflitti bellici attuali, invocando attraverso la scrittura un messaggio di pace e armonia tra i popoli.

A guidare il pubblico in questo viaggio letterario è stato il poeta contemporaneo Plinio Perilli in veste di moderatore. La presenza di uno dei maggiori poeti contemporanei del nostro Paese ha garantito un approfondimento critico di alto livello, grazie a interviste esclusive volte a far emergere le peculiarità stilistiche di ogni partecipante.

La scelta del Pio Sodalizio dei Piceni, nel complesso di San Salvatore in Lauro, non è stata casuale. La sede, descritta dalle stesse parole dell’editrice Lucarin come “location prestigiosa, un polo museale”, ha rappresentato il luogo  ideale per ospitare eventi che puntano a dare dignità e respiro artistico alla parola scritta. In un’epoca dominata dal digitale, “Poesia in Mostra” dimostra che esiste ancora un forte desiderio di fisicità e di condivisione umana attorno alla letteratura, confermando Casa Editrice Pagine come un punto di riferimento fondamentale per chi cerca di trasformare i propri versi in un patrimonio collettivo.

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I concerti saranno eseguiti da una compagine orchestrale di oltre 60 elementi e si svolgeranno dal 25 giugno al 7 agosto. La stagione si concluderà al Teatro Palladium di Roma, con le ultime due rappresentazioni in programma il 6 e 7 agosto. Il cartellone propone un percorso che attraversa il grande repertorio sinfonico e operistico, confermando la vocazione di Roma Tre Orchestra a coniugare eccellenza artistica, divulgazione culturale e impegno sociale, in dialogo con il territorio e le sue comunità.

Il progetto si inserisce in una visione più ampia di welfare culturale che l’Istituto sta sviluppando accanto alla propria missione previdenziale tradizionale. «Il benessere non è soltanto la sostenibilità economica di una vita, ma anche la possibilità di dedicarsi a ciò che la rende degna di essere vissuta», ha dichiarato la Direttrice Generale dell’INPS Valeria Vittimberga, sottolineando come l’INPS voglia essere «protagonista culturale e non solo ente previdenziale». La direttrice ha collegato esplicitamente il progetto musicale a una concezione allargata di welfare: «Il benessere non è soltanto sostenibilità economica, ma anche possibilità di elevazione personale e accesso alla bellezza».

Centrale nel ragionamento di Vittimberga è stato il ruolo dell’Accademia INPS, che ha sede proprio a Palazzo Mazzoni. «Negli ultimi anni ha fatto un balzo grazie a una legge che prevede non soltanto la formazione interna dei colleghi, ma anche alta formazione nei confronti della società sulle materie istituzionali», ha spiegato, indicando l’obiettivo di diffondere la cultura previdenziale e rafforzare il dialogo con i cittadini, in particolare con le nuove generazioni. La direttrice ha richiamato anche il lavoro sulla valorizzazione del patrimonio immobiliare dell’Istituto: «Abbiamo un patrimonio immobiliare molto bello, tanti palazzi storici in tutta Italia, cerchiamo di valorizzarli e renderli aperti al pubblico», spiegando come queste iniziative si inseriscano nel più ampio concetto di welfare culturale che l’INPS sta costruendo nel tempo.

L’assessore alla Cultura della Regione Lazio, Simona Renata Baldassarre, nel suo intervento, ha richiamato il percorso condiviso con l’orchestra universitaria e le iniziative già realizzate sul territorio regionale. «Abbiamo davvero fatto tante iniziative insieme, le più belle e importanti, mi fa piacere ricordare il Festival della musica sacra dello scorso anno che ha avuto un grande successo, con eventi in tutta la regione, e poi anche il concerto di Natale», afferma, sottolineando la continuità della collaborazione. L’assessore Baldassarre evidenzia il valore dei giovani musicisti coinvolti, definendoli «ragazzi giovani, studenti, che appartengono a un’università prestigiosa e sono bravi, sono talenti», e ribadisce l’impegno a sostenere i percorsi artistici emergenti: «Sono orgogliosa quando posso valorizzare i talenti e permettere ai giovani di andare avanti nel loro percorso artistico».

Valerio Vicari, direttore artistico dell’Associazione Roma Tre Orchestra, ha commentato: «La musica è per le persone. La musica classica, che è il DNA di questo paese, a un certo punto è stata un po’ dimenticata. Mi riferisco anche ai luoghi della cultura, ci siamo un po’ chiusi nei palazzi. Dimenticando che invece bisogna stare in mezzo alla strada, bisogna stare in mezzo alle persone. Perché se la musica è una cosa meravigliosa, non lo è a prescindere dalle persone, ma lo è in un modo che ogni giorno deve essere ricordata alle persone perché è una cosa meravigliosa. Dante Alighieri continua a essere lui perché lo studiano, lo leggono, lo spiegano; non perché sta negli scaffali. La stessa cosa avviene con la musica di Schubert, di Brahms, di Vivaldi: noi siamo fermamente la carne e le ossa delle persone che esistono e devono vivere in mezzo ai luoghi, in mezzo alle persone».

Diego De Felice, direttore Centrale Comunicazione dell’Istituto, ha inquadrato la stagione concertistica nel percorso di responsabilità sociale avviato dall’INPS negli ultimi anni, accanto alla sua funzione di «colonna del welfare in Italia dal punto di vista economico e sociale». «La dimensione culturale e artistica è uno degli angoli fondanti in una grande organizzazione», ha spiegato, definendo il progetto «un esempio luminoso di che cosa vuol dire welfare culturale», capace di unire recupero urbano, inclusione sociale e valorizzazione artistica. In questo quadro, l’offerta musicale diventa uno strumento per rafforzare il rapporto tra istituzioni e cittadini, contribuendo a «far conoscere l’Istituto al di là delle funzioni previdenziali» e inserendosi in una missione più ampia orientata al rafforzamento della coesione sociale nel Paese.

La stagione concertistica, realizzata con il contributo della Fondazione Roma, punta ad ampliare la partecipazione culturale coinvolgendo pubblici eterogenei – dai giovani agli adulti, dagli appassionati agli esperti – attraverso una proposta musicale accessibile e articolata. Il progetto mira così a integrare strumenti formativi e iniziative culturali, consolidando il legame tra l’Istituto e la società civile su un terreno che va oltre la previdenza e si apre alla promozione della bellezza come bene comune.

L’elenco dei concerti e delle date

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Allargando lo sguardo al Veneto, i cittadini cinesi superano le 36.000 unità, circa il 7% della popolazione straniera regionale. Numeri che, da soli, non spiegano tutto, ma delineano un trend chiaro: una comunità fortemente orientata all’impresa e capace di inserirsi nei gangli economici più concreti. Il meccanismo con cui questo cambiamento avviene è meno misterioso di quanto sembri. Spesso si parte da attività in difficoltà: bar storici senza ricambio generazionale, ristoranti schiacciati dai costi, locali che non reggono più il peso di una città sempre più turistica e sempre meno abitata. In questi spazi entra un nuovo tipo di imprenditore, con un modello diverso.

È un modello basato su lavoro familiare, orari estesi, margini più contenuti ma sostenibili, e soprattutto su una straordinaria capacità di adattamento. Non si tratta solo di ristoranti cinesi. Anzi, nella maggior parte dei casi si tratta di bar “italiani”, pizzerie, locali pensati per turisti o residenti. Il cliente spesso non percepisce alcuna differenza, se non forse nella continuità del servizio. Ed è qui che emerge il vero paradosso veneziano. La città che per secoli ha guardato a Oriente come frontiera da esplorare si ritrova oggi, senza clamore, a essere attraversata da un processo inverso.

Non è più Venezia che va verso la Cina, ma la Cina che entra, lentamente, nella quotidianità veneziana. A differenza di altre città italiane, però, questo fenomeno non si concentra in un quartiere preciso. Non esiste una vera Chinatown veneziana. La presenza è diffusa, dispersa, quasi mimetica. Si inserisce nel tessuto urbano senza alterarne visibilmente la forma.

È una trasformazione liquida, che non crea confini ma li dissolve. Chi osserva dinamiche simili in città come Prato o Milano riconosce alcuni elementi ricorrenti: reti familiari solide, circolazione interna di capitale, un’etica del lavoro molto intensa e livelli di occupazione elevati. In Italia, oltre due terzi dei lavoratori cinesi operano tra commercio e ristorazione. Venezia non fa eccezione, ma amplifica una caratteristica: qui il fenomeno è meno visibile, e proprio per questo più pervasivo. C’è però un aspetto che raramente viene raccontato, ed è il ruolo della domanda.

Questo cambiamento non nasce solo dall’iniziativa di una comunità imprenditoriale straniera. Nasce anche da un vuoto. Un vuoto lasciato da attività locali che chiudono, da giovani che non vogliono più lavorare nella ristorazione, da un turismo di massa che spinge verso modelli economici sempre più compressi nei costi. In altre parole, qualcuno ha occupato uno spazio che si era liberato. Venezia, da questo punto di vista, è quasi un laboratorio. Una città fragile, sotto pressione, dove il turismo ridisegna continuamente l’economia e dove sopravvive chi riesce ad adattarsi meglio. E in questo contesto, il modello imprenditoriale cinese si dimostra particolarmente efficace. Non si tratta necessariamente di una sostituzione totale, né di un fenomeno univoco o privo di contraddizioni. Ma è indubbio che la città stia cambiando volto, pezzo dopo pezzo.

Non c’è stato un momento preciso in cui tutto questo è iniziato. Come spesso accade a Venezia, il cambiamento è arrivato lentamente, come l’acqua alta. All’inizio quasi non si nota. Poi, a un certo punto, ti accorgi che è ovunque. Il bar sotto casa, la trattoria vicino al ponte, il locale che resta aperto quando gli altri chiudono. Sono segnali piccoli, ma coerenti. Marco Polo partì per scoprire la Cina. Oggi, senza muoversi, Venezia si ritrova a essere attraversata da un viaggio opposto. Un viaggio fatto non di spezie e racconti esotici, ma di tazzine di caffè, menù turistici e serrande che si alzano ogni mattina. E forse è proprio lì, nella normalità quotidiana, che si misura davvero la profondità di questo cambiamento.

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La città di Roma è stata teatro della sua carriera galoppante nell’alta finanza e nell’università, fino a diventare presidente della Fondazione Roma, una delle principali fondazioni bancarie italiane, un ruolo attraverso il quale si è accreditato anche come uno dei principali player culturali. Dal vertice della Fondazione di Palazzo Sciarra è stato uno dei massimi teorici della “big society”, quel metodo ispirato alla sussidiarietà per cui pubblico e privato concorrano insieme per il conseguimento del bene comune. Era un’altra Europa. Oltremanica il premier David Cameron ne faceva un pilastro della sua azione di governo. Il Prof. invece da presidente dell’Azienda speciale Palaexpo ci provò a creare un piccolo modello di big society nella Capitale, proponendo un modello di gestione più moderno del colosso che gestiva alcuni dei più importanti poli museali della città. Non fu capito. Il Prof. aveva il difetto di andare un po’ troppo veloce per i ritmi elefantiaci della pubblica amministrazione, parlava una lingua che spesso poteva risultare incomprensibile, troppo visionaria. Troppo alta. Ecco perché non adava sempre d’accordo con la politica.

Da mecenate e filantropo, però, ha continuato a fare sempre tanto. A “casa sua” le regole le dettava lui e di cose per la cultura e l’arte ne ha organizzate tantissime. Ha fatto di Palazzo Sciarra e Palazzo Cipolla due pilastri della scena museale romana: leggendarie le mostre di Andy Warhol, Edward Hopper e Norman Rockwell. Grande amante della poesia, aveva anche portato in Italia alcuni dei più grandi poeti contemporanei per il Festival di Poesia da lui voluto. E poi la sanità. Sue le intuizioni della creazione dell’Hospice per le cure palliative, per assistere gratuitamente i malati terminali nell’ultima fase della vita, e l’ideazione del Villaggio Alzheimer alla Bufalotta, un modello di accoglienza parimenti gratuito e all’avanguardia per i pazienti affetti da questa patologia.

Non a torto lo consideravano l’ottavo Re di Roma, il Prof. Avv. era davvero di sangue blu, erede di una delle più antiche famiglie nobiliari siciliane. E poi era regale e magnificente sul serio, con gli altri e con se stesso. Si piaceva e si ascoltava, ma era anche curioso di ascoltare gli altri, soprattutto quelli che considerava amici e a cui riconosceva l’autorevolezza per insegnargli cose nuove, specialmente di ambiti che non gli appartenevano per formazione ma che lo affascinavano, come l’innovazione tecnologica e la comunicazione. Bene ha fatto il ministro della Cultura Alessandro Giuli a ricordarlo: «L’Italia perde un raffinato intellettuale e un autentico umanista contemporaneo, capace di coniugare sapere e responsabilità, visione e concretezza. Nel suo lungo percorso, il Professor Emanuele ha incarnato una rara sintesi tra cultura, filantropia e impegno civile, restituendo centralità alla funzione etica della conoscenza». Alla città di Roma mancherà un personaggio così.

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